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SILVIA JIMÉNEZ
Hogar (2024)

Silvia Jiménez. Hogar (2024). Fotografía.

Descripción
En esta serie fotográfica, la intención de la artista es profundizar en las sutilezas de las conexiones humanas y la idea de lo que realmente significa el «hogar». A menudo, se tiende a pensar en el hogar como un espacio físico, como una casa o un apartamento, pero el hogar puede encontrarse en las personas con las que se elige compartir la vida, las experiencias y las memorias. Esta serie busca capturar esa esencia intangible, enfocándose no solo en los entornos, sino en los vínculos afectivos que nos definen y nos sostienen. Silvia Jiménez desea explorar cómo el hogar es un concepto que va más allá de las paredes físicas; está arraigado en los momentos cotidianos, en las emociones compartidas y en las relaciones que se construyen. Cada imagen aspira a reflejar ese espacio emocional, donde los recuerdos se entrelazan con la vida diaria y donde los lazos que unen a las personas, tanto en los hogares donde nacieron como en aquellos que construyeron a lo largo de su vida, revelan algo fundamental sobre la naturaleza humana. A través de esta serie, también se busca destacar las conexiones invisibles que unen a los seres humanos: las emociones, los recuerdos y las experiencias que, aunque únicas para cada individuo, son universales en su esencia. El objetivo es que estas fotografías no solo sean una representación visual de lo que es el hogar, sino una reflexión sobre cómo los vínculos que se crean con las personas, más que con los lugares, proporcionan sentido y pertenencia en la experiencia humana.
[Escrita por la artista]

Bio
Loja, Ecuador, 1996.
Silvia Jiménez vive y trabaja en Valencia, España. Se encuentra finalizando la licenciatura en Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València. Desarrolla un trabajo artístico que se centra en una aproximación instalativa a través de diferentes medios como la escultura, el video, la fotografía o la pintura. Lo que más le interesa es la búsqueda y la relación entre estos diferentes medios que le permiten crear una serie de cuestiones entorno a conceptos como la identidad, el género, la sexualidad entre otros. Donde también el público juega un papel fundamental con su interacción. Ha participado en diversas exposiciones en Ecuador, España, Portugal. Y colaborado con otras instituciones en Ecuador y Argentina.
[Escrita por la artista]

PALOMA NAVARES
Jardín de la melancolía. Al hombre cansado de la vida (2004-2006)

Paloma Navares. Jardín de la melancolía. Al hombre cansado de la vida (2004-2006). Instalación. Siete tubos de metacrilato con fotografía y luz fluorescente y archivo sonoro.

Descripción
“Jardín de la melancolía“ es una instalación de luz y sonido compuesta por siete tubos de metacrilato fluorescente de 30 centímetros de diámetro y alturas variables, con luz y sonido incorporados. Cada una de sus esculturas está decorada con flores cuyos pétalos contienen fragmentos de poemas dedicados a Alejandra Pizarnik, Alfonsina Storni, Anne Sexton, Virginia Woolf, Cesare Pavese, Kostas Karyotakis y Paul Celan. La instalación incluye una pieza sonora con la lectura de El hombre cansado de la vida, un poema egipcio de la duodécima dinastía. De este modo, rinde homenaje a estos autores y da voz a sus creaciones, fusionando su legado con el de la propia artista. En este espacio, el lenguaje literario y el plástico se entrelazan en armonía, resaltando escrituras marcadas por la melancolía. Navares reviste este sentimiento con estructuras luminosas adornadas de flores, un símbolo de belleza, feminidad y sensibilidad, pero también de lo efímero y la fugacidad de la existencia. A lo largo de la historia, las flores han acompañado al ser humano en momentos clave, tanto en celebraciones como en rituales ligados a la muerte.
[Fuente: https://musac.es/FOTOS/VISITAS_GUIADAS/PALOMA%20NAVARES_Gu%C3%ADa%20de%20sala_DEF.pdf]

Bio
Burgos, 1947.
Paloma Navares es una de las pioneras en España en trabajar con nuevas tecnologías, explorando el vídeo, la fotografía y los objetos artísticos. Desarrolló su visión tecnológica fuera del país y llevó a cabo su investigación casi en solitario, sin contar con un contexto crítico que le sirviera de referencia funcional o creativa. Tras una etapa como profesora en la Internationale Sommerakademia de Salzburgo, se estableció en Madrid, donde empezó a especializarse en técnicas de representación que aún hoy definen su obra: la fotografía, la videocreación y las instalaciones lumínicas. Desde los años setenta, su trabajo ha puesto el foco en aspectos físicos y espirituales de la condición humana. Navares aborda la existencia desde una perspectiva universal, pero con un interés especial en la experiencia femenina a lo largo de la historia. Reflexiona sobre la identidad, lo individual y lo personal, planteando cuestiones sobre la supervivencia, la imagen ideal del ser humano, la belleza, el envejecimiento y la relación entre cuerpo y alma. En su obra, el alma se representa a través del vídeo, la proyección de imágenes, la danza, la música y la luz, mientras que el cuerpo se manifiesta con objetos fríos y rígidos. Así, crea un contraste entre lo intangible del alma y la materialidad del cuerpo, explorando sus interacciones a través de los medios expresivos que emplea.

Su exposición Luz de intuición reúne obras de distintas etapas de la artista, donde, con delicadeza pero firmeza, revela cómo su aparente intuición se transforma en una intensa realidad. Sus creaciones, sin una intencionalidad previa, transmiten un potente discurso de género, que la posiciona como pionera en sus inicios y relevante en la actualidad. La selección de piezas traza un recorrido por toda su trayectoria: desde las apropiaciones de la mujer en el arte clásico, pasando por la naturaleza como canal de sus mensajes, las autorreferencias y, finalmente, la aplicación de la Inteligencia Artificial.
[Fuente: https://phe.es/exposicion/luz-de-intuicion/]

PALOMA DE LA CRUZ
Erótica inversa (2017)

Paloma de la Cruz. Erótica inversa (2017). Cerámica. Dimensiones: variables.

Descripción
Erótica inversa es un proyecto en el que toma su matriz como recipiente en el cual realiza un modelado. Genera con ello una serie de piezas cerámicas de apariencia fálica representantes, a modo de presencia, de la ausencia que conlleva la oquedad uterina, siendo a su vez, esculturas performáticas, ya que la acción que se lleva a cabo a la hora de producir las mismas es determinante tanto formal como conceptualmente en la obtención de cada pieza. Manteniendo una relación con los signos propios del lenguaje que emplea, esmalta las piezas resultantes con motivos textiles, fragmentos de encajes pertenecientes a lencería, contextualizando las mismas en un ambiente morboso. Así pues, un nuevo planteamiento respecto a su proyecto, le lleva a realizar una subjetivación y erotización de la arquitectura, de manera que se produce una diferencia entre lo que está ahí y lo que elabora a partir de su experiencia. Esto implica a su vez una vinculación con lo privado e íntimo del baño.
[Fuente: https://revistaurbanity.com/estilodevida/cultura/erotica-inversa-paloma-la-cruz-arte-nace-las-entranas/]

Bio
Málaga, Andalucia. 1991.
Paloma de la Cruz es nacida en Málaga, donde se formó realizando el Grado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística. Actualmente se encuentra realizando el Doctorado por la universidad del País Vasco y  reside y trabaja en Madrid donde ha participado en ferias nacionales e internacionales como la Feria ARCO desde 2020 hasta 2023 y Feria Estampa desde 2021 hasta 2024, así como en ARCOLisboa en 2022. Además de ser Artista Residente en el “Centro de Arte Contemporáneo de Córdoba” en 2019, ha disfrutado estancias como “Térmica Creadores” de Málaga, “Ifitry Residence” de Marruecos, “Contextile” en Oporto  o “Dekandoo” en Senegal. También ha formado parte de diferentes certámenes y exposiciones colectivas,como el “XVI Certámen Unicaja”,  “La iberoamericana de Toro”; las colectivas “New entries” (Galería T20) y “Descripcción de un estado físico” (Galería Elba benítez) la colección “NEIGHBOURS IV” (Centro Arte Contemporáneo de Málaga) y primer premio en “Málaga Crea 2019”.
[Fuente: https://proyectoh.com/artista_proyecto_t/paloma-de-la-cruz/]

ALMUDENA LOBERA
“Máscaras de Filtro de Belleza” (2020)

Almudena Lobera, “Máscaras de Filtro de Belleza”,
Escultura de resina y fibra de vidrio pintada al horno, 50 x 50 x 40 cm, (2020).

Descripción
La obra «Máscaras de Filtro de Belleza» forma parte de la serie «Stories» de la artista Almudena Lobera, en la cual reflexiona sobre el impacto de las tecnologías modernas, especialmente las redes sociales y los filtros de belleza, en la construcción de la autoimagen y la identidad. A través de esta escultura, Lobera nos invita a cuestionar la relación entre la identidad humana y la imagen digital, representada por una máscara que simboliza la distorsión y la artificialidad que los filtros promueven en nuestras percepciones.

Los filtros de belleza, que han ganado popularidad en plataformas digitales, presentan una versión irreal y normativizada del rostro, especialmente del rostro femenino. Muchas mujeres, particularmente las más jóvenes, se ven presionadas a modificar sus rasgos faciales para ajustarse a estos estándares, creando una disonancia entre la imagen real y la imagen proyectada en línea.

En su obra, Lobera pone en evidencia cómo esta búsqueda constante de perfección, promovida por las redes sociales, refuerza la opresión estética que las mujeres enfrentan en la sociedad. A través de la escultura, que es a la vez frágil y distorsionada, la artista resalta la paradoja de la belleza impuesta: la máscara, aunque diseñada para embellecer, en realidad oculta la autenticidad de lo que somos.

La pieza de resina y fibra de vidrio pintada al horno (50 x 50 x 40 cm) no solo se convierte en un objeto estético, sino también en un potente comentario social y feminista. Lobera utiliza la escultura para desmantelar las normas de belleza impuestas por la tecnología, invitando al espectador a reflexionar sobre las implicaciones de vivir en un mundo donde la autenticidad parece cada vez más distante.

Fuente: https://bellasartes.ucm.es/almudena-lobera?utm_source=chatgpt.com

Bio
Almudena Lobera es una artista española cuya obra se sitúa en el cruce entre la imagen, el cuerpo y la identidad. A través de la fotografía, el videoarte, la performance y la instalación, su trabajo cuestiona los códigos visuales que estructuran nuestra percepción y los discursos que moldean las representaciones de género. Su práctica artística parte de una reflexión sobre cómo las imágenes construyen la realidad y, a su vez, nos condicionan, especialmente en lo que respecta a la identidad femenina y los cuerpos disidentes.

Lobera no solo se apropia de lo visual, sino que lo deconstruye. Su obra invita a mirar más allá de lo evidente, a enfrentarnos a las imágenes que consumimos de manera automática y a preguntarnos qué estructuras de poder las sostienen. A menudo, sus piezas tensionan la relación entre lo visible y lo oculto, explorando la fragilidad de los cuerpos y la manera en que son observados, controlados y representados dentro del espacio público y privado.

Su trabajo también propone una ruptura con la idea de una identidad fija o inmutable. En sus instalaciones y performances, el cuerpo se convierte en un territorio de transformación, en un espacio de resistencia que desafía las narrativas impuestas. A través de la fragmentación, la superposición y la distorsión de las imágenes, Lobera nos obliga a cuestionar las construcciones sociales que determinan quiénes somos y cómo nos percibimos.

Con una mirada crítica y un lenguaje visual poderoso, Almudena Lobera nos enfrenta a la complejidad de lo que vemos y a la necesidad de repensar los límites entre el cuerpo, la imagen y el poder. Su obra nos recuerda que mirar es también una forma de construir, y que en ese acto de observación podemos encontrar nuevas maneras de entendernos y de habitar el mundo.

Fuente: https://www.arteinformado.com/guia/f/almudena-lobera-13390?utm_source=chatgpt.com

CLAUDIA SÁEZ
Esperanza y Josefina (2024)

Claudia Sáez. Esperanza y Josefina (2024). Jabón. Dimensiones: 26 x 37,5 x 6 cm (Esperanza) 23 x 35,5 x 6 cm (Josefina).

Descripción
Estas piezas toman el nombre de sus abuelas, son un registro material del espacio de las galerías de sus casas, en concreto del relieve de la pileta para frotar la ropa. Su material, el jabón artesanal, nos permite crear una dialéctica con su función, el desvanecimiento del espacio en un intento de recuperarlo. Encontramos una pretensión de reflexionar sobre la memoria colectiva desde una perspectiva de género en el espacio de la galería doméstica.
[Escrito de la artista]

Bio
Albacete, Castilla La-Mancha. 2002.
Claudia Sáez nace en la ciudad de Albacete en España. Cursa estudios de Bellas Artes en la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politécnica de Valencia. Su creación artística gira entorno al espacio relacionado directamente con la cotidianeidad y la memoria, principalmente mediante procesos escultóricos y audiovisuales. Actualmente su linea de trabajo se envuelve de la presencia de los espacios rurales y la necesidad de reivindicar la presencia de la mujer. Su obra ha sido exhibida en exposiciones como Infinity Art, arte interactivo en el Corte Inglés de la Avenida de Francia, Valencia, España; T4KATÁ! en el Espai Multidisciplinar T-4 de la Universitat Politécnica de València, España; o en la exposición individual Tendederos, lavadoras y piletas en el Teatro Círculo de Benimaclet, Valencia, España.
[Escrito de la artista]

ESTHER FERRER
Le chemin se fait en marchand (2000-2015)

Esther Ferrer. Le chemin se fait en marchand (2011). Jerusalem Est et Ramalla. Performance.

Descripción
«Le chemin se fait en marchant» es la primera gran retrospectiva de Esther Ferrer en Francia. Su título proviene de una de sus performances más representativas, que ha realizado en varias ocasiones, incluida la inauguración de la exposición en el Frac Bretaña. Esta obra simboliza su constante exploración de la relación entre cuerpo, espacio y pensamiento. Ferrer destaca el caminar como un elemento esencial en sus performances, a veces como un acto estructurado y otras de manera improvisada, inspirado en los versos de Antonio Machado: Caminante, no hay camino, se hace camino al andar. La exposición reúne una variedad de formatos, incluyendo cuatro grandes instalaciones, una serie de más de noventa fotografías de performances, seis vídeos, dibujos y partituras de acciones efímeras. Mientras que las instalaciones transforman el espacio expositivo, el conjunto de la muestra sigue una dinámica que parte del gesto y culmina en la huella física del cuerpo.
[Fuente:  https://www.fracbretagne.fr/wp-content/uploads/2015/02/2013-Doc-public-esther-ferrer.pdf]

Bio
San Sebastián. 1937.
Esther Ferrer comenzó a realizar acciones artísticas en los años 60, tanto de forma individual como dentro del grupo ZAJ. Junto con José Antonio Sistiaga, fundó el primer Taller de Libre Expresión. A partir de los 70, retomó su producción plástica con fotografías, instalaciones y obras basadas en secuencias numéricas. Representó a España en la Bienal de Venecia en 1999 y ha recibido múltiples premios, incluido el Premio Nacional de Artes Plásticas (2008) y el Premio Velázquez (2014). Su carrera en la performance la ha llevado a festivales internacionales y ha expuesto en museos como el Reina Sofía, el Pompidou y el MAC/VAL. A lo largo de su trayectoria, Esther Ferrer ha llevado su arte de performance a festivales en España y en diversos países de Europa, América, Asia y Oriente Medio, participando en eventos en Alemania, Italia, Suiza, Francia, Reino Unido, Estados Unidos, México, Brasil, Japón, Palestina y muchos más.
[Fuente: https://estherferrer.fr/es/]

CECILIA FERNÁNDEZ FUEYO
Metamorfo (2024)

Cecilia Fernández Fueyo, “Metamorfo”, Tintas sobre transparencias, medidas variables, (2024)

Descripción
Metamorfo es una obra que habla del cambio, de la lucha interna entre lo que nos enseñan a ser y lo que realmente somos. A través de formas en transformación, trazos orgánicos y una composición que se mueve entre el caos y el equilibrio, la obra refleja el proceso de construcción de la identidad femenina.

En esta pieza, la figura se descompone y se reconstruye, como si estuviera atrapada en un ciclo infinito de evolución. Algunas partes parecen definidas, mientras que otras se disuelven, simbolizando la tensión entre el deseo de encajar y la necesidad de liberarse. La pincelada espontánea y los contrastes entre lo concreto y lo difuso refuerzan esta sensación de metamorfosis constante.

La obra es un reflejo de la lucha de la mujer por encontrar su voz en un mundo que insiste en definirla. Nos han enseñado a seguir normas, a ser comprensibles, a dar explicaciones. Pero en Metamorfo, el arte se convierte en un espacio de resistencia, donde lo inacabado y lo incierto son precisamente lo que nos hace libres.

Porque la identidad no es algo fijo, sino un proceso en continuo cambio. Y en ese cambio, en esa transformación sin límites, encontramos nuestra verdadera esencia.

Bio
Cecilia Fernández Fueyo es una artista visual cuya obra se sumerge en la noción del cambio, la metamorfosis y la evolución constante de la materia y el ser. Graduada en Bellas Artes con mención en Pintura por la Universidad de Salamanca, su práctica artística abarca diversas disciplinas, con un fuerte enfoque en la pintura y la ilustración, pero también explorando el grabado, la fotografía y el arte digital. Su trabajo se construye sobre la idea de la transformación, entendida como un principio fundamental de la naturaleza y de la identidad humana.

Desde una perspectiva orgánica y fluida, Fernández Fueyo representa en sus obras el tránsito entre estados, explorando cómo las formas se descomponen y reconfiguran en un ciclo infinito de cambio. Su pintura y su ilustración evocan figuras que parecen estar en un proceso de expansión o disolución, jugando con los límites de lo reconocible y lo abstracto. En su trabajo, lo sólido se desvanece y lo efímero se vuelve tangible, reflejando la inestabilidad y la belleza de la impermanencia.

Aunque en la actualidad compagina su producción artística con su trabajo como guía de museo y vigilante de sala en el Palacio de Liria en Madrid, su compromiso con el arte sigue intacto. La creación continúa siendo un eje central en su vida, y su obra sigue dando visibilidad a la idea del cambio como un motor vital. Su práctica se adapta a distintos formatos y espacios, reflejando precisamente aquello que reivindica: que el arte, al igual que la vida, es un organismo en constante movimiento.

A lo largo de su trayectoria, ha participado en exposiciones colectivas y ferias de arte, mostrando su capacidad para adaptarse a distintos formatos y contextos. Desde murales colaborativos hasta obras para causas sociales, su trabajo no solo busca la experimentación plástica, sino también la capacidad del arte para comunicar, generar diálogos y ofrecer nuevas perspectivas sobre el mundo en constante transformación. Cecilia Fernández Fueyo nos recuerda que el cambio no es solo una fase, sino una condición inherente a la existencia. Su arte no documenta un estado fijo, sino el proceso mismo de transformación, demostrando que en la mutabilidad se encuentra la verdadera esencia de la vida.

LAIA ABRIL 
Inspiración delgada (2012)

Laia Abril. Inspiración Delgada (2012). [Fuente: https://www.laiaabril.com/project/thinspiration/]

Descripción
La obra «Inspiración delgada» (2012) de Laia Abril analiza la peligrosa idealización de la delgadez extrema y muestra cómo las redes sociales y los foros de Internet inducen a las mujeres, especialmente a las jóvenes, a normalizar imágenes corporales enfermizas y a autodestruirse. Se trata de una serie fotográfica que es particularmente relevante para el feminismo de las artistas españolas, ya que aborda temas profundamente feministas como la imagen corporal, la autopercepción, los trastornos alimentarios, la presión social sobre las mujeres y las normas de belleza patriarcales. Abril empezaba a investigar sobre la comunidad de Thinspiration en 2010. Basada en su investigación, planeaba un proyecto fotográfico sobre los trastornos alimentarios enfocándose en el impacto de los redes sociales. El movimiento Thinspiration se refiere a una comunidad de mujeres y niñas que sufrían de trastornos alimentarios, en la mayoría de los casos de anorexia o bulimia y que glorificaban la delgadez extrema. El proyecto explora la obsesión de esta comunidad y los límites de su autodestrucción. Laia Abril no busca agradar con sus proyectos, sino desafiar, provocar y fomentar un diálogo profundo sobre temas esenciales para comprender la naturaleza humana. Su habilidad para combinar la estética visual con un análisis profundo de problemáticas sociales demuestra que la fotografía no es solo una representación de la realidad, sino una herramienta artística capaz de generar conversaciones y promover el cambio.
[Fuente: https:// www.laiaabril.com/project/thinspiration/]

Bio
Barcelona. 1986.
Laia Abril es una artista multidisciplinar cuyo trabajo combina fotografía, texto, vídeo y sonido para explorar realidades ocultas y problemáticas sociales. Su enfoque artístico se basa en una profunda investigación, lo que le permite abordar temas sensibles con al nivel documental potente y evocadora. Tras licenciarse en Periodismo se trasladó a Nueva York para especializarse completamente en la fotografía. En 2009, se unió a la Residencia artística de FABRICA en Italia, donde pasó cinco años trabajando como investigadora, editora y fotógrafa de plantilla en Colors Magazine. No sólo en el ámbito fotográfico, sino también en el ámbito literario está revelando su perspectiva feminista y crítica publicando varios libros como Thinspiration (2012), Tediousphilia (2014) y The Epilogue (2014) que todos fueron seleccionados para varios premios como por ejemplo el Paris Photo-Aperture First Book Award o PhotoEspaña Best Book Award. Así, su trabajo combina aspectos visuales, teóricos y emocionales y contribuye de diversas maneras al movimiento feminista. En este sentido, la unión del arte, la investigación y la publicación es particularmente valiosa, ya que permite un enfrentamiento visual, emocional e intelectual con las imágenes corporales y los roles de género, creando nuevos espacios para el debate feminista y ayudando a cuestionar los ideales de belleza interior y las estructuras patriarcales, fomentando así la reflexión individual y el cambio social. Sus exposiciones individuales y grupales en más de 25 países se basan especialmente en la violación contra la mujer. Con títulos pertinentes como “Sobre la violación“, “Sobre el aborto“, “Sobre los trastornos alimentarios“ o “Cuerpo a cuerpo“, hace referencia al papel de la mujer en la sociedad
[Fuente: https:// www.laiaabril.com/project/thinspiration/ ]

PILAR AYMERICH
Manifestaciones contra la violación (1977)

Pilar Aymerich. Manifestaciones contra la violación (1977). Fotografía.

Descripción
A través de la fotografía, Pilar Aymerich ha documentado manifestaciones y movimientos sociales desde el final del franquismo, pasando por la transición, hasta la actualidad. Su enfoque, marcado por una perspectiva femenina, lo expresó al recibir el premio Margarita Rivière en 2019: “Profesionalmente, siempre me he acercado a la realidad con ojos de mujer”. Con su cámara, ha acompañado la lucha de las mujeres por sus derechos y libertades. Su vasto archivo fotográfico ha sido expuesto en más de sesenta ocasiones. En un momento en que las movilizaciones feministas están redefiniendo el panorama político, le hemos pedido que seleccione algunos de los momentos más emblemáticos de esta lucha en Barcelona.
[Fuente: https://www.barcelona.cat/metropolis/es/reportaje-fotografico/la-lucha-feminista-en-barcelona]

Bio
Barcelona, 1943.
Pilar Aymerich i Puig es una fotógrafa catalana nacida en 1943 en Barcelona. En primer lugar, es conocida por capturar en cámara momentos clave de la historia española y catalana y utilizarlos como medios para expresar su posición feminista en la lucha por los derechos de las mujeres. La artista empezaba sus estudios de dirección teatral en la Escuela de Arte Dramático Adrià Gual Teoría y prácticas fotográficas en los Estudios Raphael en Francia. Para dedicarse aún más a la fotografía, se mudó a Londres en 1965. Tres años después, decide hacer realidad su deseo sumergiéndose aún más en la fotografía y se establece en Barcelona como fotógrafa profesional. En esta fase de su vida también empezó a publicar continuamente sus trabajos en revistas importantes de España como Serra d’Or, Destino, Triunfo, la Calle, El País, Fotogramas, Qué Leer con lo que ya se está forjando una cierta posición como fotógrafa española, feminista. Durante estos años, experimenta mucho y se sumerge en diferentes áreas como encargos para cartelismo, cubiertas de discos, especializándose en, retrato, reportaje social y teatro. Además de su actividad principal como fotógrafa, también realiza otros trabajos como la docencia, impartiendo clases de fotografía en el Area de Juventud del Ayuntamiento de Barcelona y seminarios en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya. A través de los libros como por ejemplo “La Habana para mujeres“ que publica, no sólo se la considera una fotógrafa feminista, sino también una autora, dando así soporte literario a su obra artística. Echando un vistazo a sus exposiciones con los títulos “El siglo de las mujeres“ (2003), “100 años del feminismo“ (2013) y “Feminismo, performing archive“ (2013), su fuerte interés a las perspectivas feministas es evidente. Con vistas a los numerosos premios como el Premio Nacional de Fotografía en 2021, otorgado por el Ministerio de Cultura y el Premio de Comunicación no Sexista en 2013 por la Asociación de Mujeres Periodistas, su gran éxito como fotógrafa feminista española es indudable.
[Fuente: AYMERICH, PILAR (2025): “Sobre Mí. Biografía.“]

PILAR AYMERICH
Manifestaciones (1977)

Pilar Aymerich, Manifestaciones contra la violación, 1977. Fotografía.

Descripción
A través de la fotografía, Pilar Aymerich ha documentado manifestaciones y movimientos sociales desde el final del franquismo, pasando por la transición, hasta la actualidad. Su enfoque, marcado por una perspectiva femenina, lo expresó al recibir el premio Margarita Rivière en 2019: “Profesionalmente, siempre me he acercado a la realidad con ojos de mujer”. Con su cámara, ha acompañado la lucha de las mujeres por sus derechos y libertades. Su archivo fotográfico ha sido expuesto en más de sesenta ocasiones. En un momento en que las movilizaciones feministas están redefiniendo el panorama político, le hemos pedido que seleccione algunos de los momentos más emblemáticos de esta lucha en Barcelona.
[Fuente: https://www.barcelona.cat/metropolis/es/reportaje-fotografico/la-lucha-feminista-en-barcelona]

Bio
Barcelona, 1943.
Pilar Aymerich es una fotógrafa catalana nacida en 1943 en Barcelona. En primer lugar, es conocida por capturar en cámara momentos clave de la historia española y catalana y utilizarlos como medios para expresar su posición feminista en la lucha por los derechos de las mujeres. La artista empezaba sus estudios de dirección teatral en la Escuela de Arte Dramático Adrià Gual Teoría y prácticas fotográficas en los Estudios Raphael en Francia. Para dedicarse aún más a la fotografía, se mudó a Londres en 1965. Tres años después, decide hacer realidad su deseo sumergiéndose aún más en la fotografía y se establece en Barcelona como fotógrafa profesional. En esta fase de su vida también empezó a publicar continuamente sus trabajos en revistas importantes de España como Serra d’Or, Destino, Triunfo, la Calle, El País, Fotogramas, Qué Leer con lo que ya se está forjando una cierta posición como fotógrafa española, feminista. Durante estos años, experimenta mucho y se sumerge en diferentes áreas como encargos para cartelismo, cubiertas de discos, especializándose en, retrato, reportaje social y teatro. Además de su actividad principal como fotógrafa, también realiza otros trabajos como la docencia, impartiendo clases de fotografía en el Area de Juventud del Ayuntamiento de Barcelona y seminarios en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya. A través de los libros como por ejemplo “La Habana para mujeres“ que publica, no sólo se la considera una fotógrafa feminista, sino también una autora, dando así soporte literario a su obra artística. Echando un vistazo a sus exposiciones con los títulos “El siglo de las mujeres“ (2003), “100 años del feminismo“ (2013) y “Feminismo, performing archive“ (2013), su fuerte interés a las perspectivas feministas es evidente. Con vistas a los numerosos premios como el Premio Nacional de Fotografía en 2021, otorgado por el Ministerio de Cultura y el Premio de Comunicación no Sexista en 2013 por la Asociación de Mujeres Periodistas, su gran éxito como fotógrafa feminista española es indudable.
[Fuente: AYMERICH, PILAR (2025): “Sobre Mí. Biografía.“]